配乐是构成电影本体的一个重要元素，它常常担负着表达情感、烘托气氛、连贯场景的重任。作为全球第一大电影出产地的美国，在系列大片的成功累计下，慢慢形成了系统的“好莱坞式配乐风格”。

现代的人们，一定不会认同电影仅仅是一场视觉盛宴。我们是在用眼睛观看电影，但也是在用耳朵体验电影。电影配乐，是电影声音中非常重要的组成，它承载着电影中最梦幻、最非理性的部分，在潜意识里影响着每一位观众。

电影配乐的功能

好莱坞的作曲家们归纳了电影配乐的功能和为电影配乐的原则，主要是以下几个部分：

营造一个可信的时空氛围

音乐可以向观众描述一个故事的时空背景。观众已经具备将某类特定的音乐或音乐风格与特定的背景和人物相联系的能力。但大多时候，太过明显的地域性音乐，比如法国音乐、中式音乐、印第安音乐等过于突兀。

强调心理效应

包括角色无法用语言表达的情感，或者无法用肉眼预见的情形。比如，插入不和谐的音符或旋律会终止观众沉浸于画面所引发的情绪中——可以参考《本能》中酝酿着谋杀的性感床戏。

作为中性的背景音填充

这种配乐是不需要被听见的，只是用于填补对话间的空白，并且它必须隐藏在对白之下，不能喧宾夺主。

建立感觉的连续性

大多数明显的蒙太奇段落都需要音乐的帮助，合适的音乐能够使原本毫无关联的闪回镜头从杂乱无章变为和谐有序。音乐是最好用的粘合剂，能够将散乱的蒙太奇片段粘合成整体。这也是新闻播报中大量使用配乐的原因。

表达角色的内心活动

源于让角色对外在事件做出反应，焦点在于角色的性格，而非场景。

构建一种情绪

在《造雨人》中，当伯特·兰卡斯特扮演的骗子声称能够为干涸的麦田带来降雨时，一首华尔兹响起，传递了一种年轻男子向年轻女子示爱并许下山盟海誓时的梦幻感。这首华尔兹将女人代入男人编织的美好憧憬中。

常用的配乐概念

上述电影配乐的功能又是通过一系列配乐概念和语法的组合实现的。下面列举的是在电影配乐中最常用到的一些概念。

1.复调

（Counterpoint）

音乐与电影之间互相影响，从而形成统一整体的互利关系。类似于合唱中的二重唱，虽然是两个声部，但是融合在一起能形成前所未有的效果。在电影配乐中，两个“声部”即“视觉/影像”和“听觉/音乐”。

“复调”是一种不断轮换的关系。有些段落中影像占主角，有些段落中音乐占主角。在电影的某些时刻，如表现爱情的桥段中，角色对话之间有戏剧性的停顿，我们很容易注意到音乐的旋律。通过提升音量，配乐成为主角。但是紧接着，配乐减退回到“潜意识”的部分，人物通过对话重新回到关注中心。

2.超于现实的配乐

（Supra-reality）

描述电影配乐怎样影响和夸大了画面表达。这在配乐和画面传达的情感或心理不一致时尤为有趣，比如，某部惊悚片中，角色可能因为恐惧在尖叫，但配乐却是低沉的音调，呈现出一种相反的状态。

《大白鲨》中，当鲨鱼逼近游泳者时运用了低音，而在《精神病患者》中，诺曼·贝茨用尖刀戳向浴室中的简妮特·雷时运用了尖锐的高音，我们通过观看电影画面来确定配乐的含义。也就是说，如果脱离了画面，音符本身很难表达明确的含义。

尽管在现实生活中，生死攸关的场景从没有配乐，在电影中，我们却理所应当地接受。配乐引导我们的感受，比如当银幕上情人拥抱时，配乐会带来丰富浓郁的浪漫感受。有时，配乐也会误导我们，会转移我们的注意力，比如在一个恐怖场景中，当音乐变得充满威胁感，我们期待有恐怖的事情发生，但最终只看到一只突然跳入画面的猫。

3.变奏

（Underscoring）

用音乐来强调或关联一种情感。比如，《海军的骄傲》中，当士兵独自行走在空无一人的宾州火车站时，配乐使用了单一的小号独奏，配合摄影机的俯拍，展现巨大又空旷的车站，突出了角色的孤独感——独自奔赴前线却无人告别。

还可以运用音乐的变音来展现情感变化。《日落大道》中，女主人公在杀死她的作家情人时，那首在整部电影中伴随她的探戈旋律再次出现，但版本是双簧管独奏，节奏凌乱。这种变奏展现出女主人公处于崩溃边缘的心境。

4.真实音乐

（Realistic Music）

指的是在银幕上被演唱或演奏的音乐，比如《教父》中婚礼上所唱的歌。

5.源音乐

（Source Music）

指能够在银幕上看到声源的音乐，比如来自收音机或自动点唱机。真实音乐和源音乐都被看成是场景的一部分。

6.角色化

（Characterization）

音乐也能成为电影“角色”。作曲者可以在角色登场之前就以音乐预示他/她的出场，比如007系列电影中，每次邦德将有重要动作，主题音乐一定会响起。这类配乐比对白或旁白更有感染力，因为音乐直接绕过谨慎的认知思考区域，作用于大脑中的情感结构。

7.预示

（Foreshadowing）

是指提示观众即将发生的事件。这个事件可能在同一场景里发生，也可能延续到下一场景中，音乐通常在场景开始之前就响起。

在一个欢乐的场景中，任何稍有不和谐的音符，或者转瞬即逝的小一段不和谐旋律，都会让观众意识到即将有坏事发生。这种戏剧化的音乐先于画面出现。它抓住观众的注意力，并且引发他们对接下来即将发生的情节的期待。

“预示”的价值在于兴奋转移（Excitation Transfer），即让观众在整个观影过程中都处于情绪的积累状态，永远没有完全放松的时刻。每一个场景都会为下一个激动人心的场景留下些许兴奋点。

8.配合

（Accompaniment）

作为“预示”的对立面，配合是指音乐恰到好处地与画面协同，而非先于其出现。强化或提升画面气氛，而非预示情节内容。因此，葬礼场景要配合悲伤的小调；婚礼场景要配合浪漫的音乐。

不过，配合画面的音乐有时也会刻意与画面上的情景营造冲突，从而吸引观众的注意力，并提升情感体验的感染力。

电影配乐的“整体与部分”

配乐必须能够恰当地传达导演的意志，它必须作为声画整体的一部分存在。如果操作不当，配乐会把观众的注意力吸引到其自身上来，而不是银幕上正在展开的画面和故事线。或者，如果配乐无意地失职地与银幕画面向左，观众会感到心烦意乱。

但配乐并非从头开始就与画面并驾齐驱。作曲者通常更喜欢在结尾时大量使用配乐，因为对于大多数作曲者而言，在电影后半部分使用配乐能够最大化地展现配乐与画面和故事间的协调。

而且，没有电影的背景音乐是从头到尾贯穿的，电影配乐通常由分开的片段组成。因此，在为电影配乐时，作曲家通常和导演一起完整地观看电影，然后决定都在哪些地方使用音乐，以及使用多少。全片的配乐加起来大概三十多段或者更多，每段持续几秒钟或者几分钟，共计40到90分钟。

如今，人们都希望电影的旋律或主题曲能够成为独立的商品，并带来收入，或者用以宣传的目的，比如《泰坦尼克号》的主题曲《我心永恒》，还有《冰雪奇缘》的主题曲《Let it go》。但与一般作曲不同，电影配乐是专为电影创作的，服务于电影整体，并以此构建完整的观影体验。脱离了银幕画面和故事，它们很难具有独立的意义。因此，许多配乐都被看做电影格式塔的一部分。

配乐产业的挑战

模拟信号变为数字信号，这场数字革命给电影产业带来了很多新挑战，电影配乐也身在其中。比如，十多年前，学校几乎不会要求学生选修技术类课程，尽管这些课程也可以选修。现在，如果主修电影配乐，就一定要具备足够的关于电脑工具、软件、中间设备和硬件的知识。

还有，大多数导演都需要一个足够好的模型（Mock-up）以作为制作和试映过程中的临时音轨，除非是仅仅需要一架钢琴、一些手稿纸和几支铅笔就能创作的作曲大家。

这种“临时音轨”是由“临时音乐”组成的，包括已公映过的电影中选取的片段或作曲者自己制作的模型。当电影接近于“定稿”时，作曲者会制作一套完整而流畅的配乐，再交给音乐剪辑师改动的地方会很少。

不过，因为导演和音乐剪辑师协同挑选临时配乐，他们常会变得很依赖这些临时作品。也就是说，当导演对这些临时配乐变得熟悉时，作曲者加入新的原创材料会让他/她变得感觉难以接受。因此，大多数作曲者被迫模仿临时配乐的风格，不能够完全抄袭，但至少大体上相似。这对作曲者创作的限制是很大的，导致现在我们几乎很少能听到有革新精神的配乐了。这也是为何作曲者要冒险一试将自己的新作品加入到模型当中，以便导演在爱上其他替代品前，爱上这些音乐。

优秀的配乐往往能够体现出一部电影自身的风格，升华出它独特的思想理念，最终成为它经典的符号，永不被人所遗忘。在好莱坞的配乐体系中，对创作的功能、概念都有比较明晰的定义。正是这种努力，使得作曲家对商业大片在画面与声音的搭配处理上显得游刃有余。